Special Interview俳人・小津夜景さんが語る

「季節の移ろいが、
私の創作活動を刺激してくれます」

俳句とジュエリーは、どちらも小さな空間の中にある芸術。表現したいものに向かって素材を吟味し、メッセージを凝縮して伝えるところに、共通点があるのではないでしょうか。私は俳句だけでなく短歌なども詠みますが、文字数がとても少ないので、言葉という素材を、どう選りすぐって組み合わせるかが大事なんです。

あんのんと烏帽子に花のえくぼかな 著書「花と夜盗」（書肆侃侃房）より

現在私は、南仏に住んでいます。こちらで暮らしてはじめて、春は、鼻先をくすぐる香りのように、さりげなくやってくるものだと知りました。『ラッキー スプリング』を見た瞬間に「これは南仏だ！」って思ったんです。のどかで、自然が豊かで、植物や生物と濃密に暮らす町。上の句は、外でランチをしたときのことを詠んだものですが、テラス席の周りにたくさんの花が咲いていたんです。テーブルの上にも花がいっぱい散っている様子が、雅で平安時代のようだなと。そういった南仏の穏やかな風景と『ラッキー スプリング』には、通ずるものがありますね。そして、私の作品にも昆虫がたびたび登場します。小さくて、精巧で、それこそジュエリー的な感覚があってかわいい。てんとう虫は夏の印象ですが、このジュエリーを見ていたら、春の、満開に咲く花の様子に待ちきれなくなって、思わず飛んできてしまった感じを受けました。まるでジュエリーの中に時間が流れていて、そこに物語があるようです。

こんなふうに、創作活動をするときは外に出ることが多いです。咲いている花をじっと眺めたり、近くの海を散歩しながら見つめていると、昔のことを思い出せるようになるんです。きっと頭の中がリラックスして、記憶が取り出しやすくなるのではないでしょうか。だから作品には、自然や、もしくは自然から派生したものが多くて。私の場合は、花を見て、その美しさを描写するのではなく、その花が自分を刺激してくれるのを待っています。花をじっと観察しながら、自分の中に生まれた感情を、言葉にする作業。それが私にとって、詩歌を詠むことなんです。

Special Interview染色家・吉岡更紗さんが語る

「刻々と変わっていく、自然の瑞々しい
色彩を再現したいと思っています」

天然の植物から色素を汲み出し、天然の素材を手で染めるという、日本古来の染色法を行うのが「染司よしおか」。私は6代目当主を務めています。植物は、非常に豊かな色彩を生み出しますが、実際の花の色が、そのまま染料の色になるかというと、そうではありません。たとえばピンクの染料の代表は紅花ですが、花が咲いているときは黄色なんです。その花びらを水にさらし、黄色の色素を洗い流すと、花の中の5％にも満たないといわれるほど少量の赤い色素が残る。それがピンクの染料となるわけです。また材料も、紅花のように花びらであることはほとんどなく、根や葉、つぼみや木の皮といったものが中心。植物染めは、そういった植物の奥深くに潜んでいる色彩を、呼び起こす作業でもあるんです。

生地を染料で染め、定着させる、という作業を繰り返すことで、色の濃淡を調整していくのですが、その具合も季節や天候によって変わります。だから染色は、まさに自然と対話するかのよう。染める素材の種類や厚さと、染料の相性もあるので、それは知識と経験を元に、作業を重ねていくのですが、どんな状況でも、同じ色を再現できるようにしなくては、と思っています。よく植物染めと料理は似ている、と思うことがあるのですが、プロの料理人も、厳密にいえばまったく同じ食材を使っているわけではないのに、いつも安定した味の料理が提供できる。植物染めと聞くと、同じ色が二度と再現できないと思われる方もいらっしゃるのですが、そうならないことを、職人として目指したいですね。

私は京都生まれ、京都育ちなのですが、街を歩いていると、自然の色が、日々変わっていくことを実感します。少し前には、川沿いのサクラと柳が色濃くなるのを見て、毎年のことながら、その美しい配色に感動していました。これからは、遠くの山の緑が、どんどん深く、鮮やかになっていきます。濃くはなっていくのですが透明感があって、私の目指す色はこれだと、確信するんです。

同じように『フリヴォル』も、花そのものだけでなく、花が咲き、風にそよぐ瞬間的な美しさを表現しているコレクションと聞き、うれしくなりました。具体的な花ではなく、フラットに表しているところに、こちらにも想像の余地が与えられているようです。花や自然というものは、その姿ももちろん美しいのですが、同じところにはとどまっていません。散って水面に浮かぶサクラの花びらや、風に揺れている柳、雨に濡れた葉など、そのどれもが違っていて、抒情的です。私もその美しさに憧れていますし、それを色で表現できたらと、常に感じています。

Special Interview城端蒔絵・十六代
小原治五右衛門さんが語る

「新しい表現に挑むことで、
伝統は発展していきます」

富山県の南砺市城端で生まれた「城端蒔絵」は、戦国時代から続く伝統工藝。2025年には創業450年を迎えます。純白の白蒔絵をはじめ、色彩鮮やかな色漆を使って図柄を描くのが特徴で、中間色やぼかしの技法を使うことで日本画のような表現を生み出せる、世界でも類例のない漆藝ではないでしょうか。『アルハンブラ』も、さまざまな天然素材を使って、色彩豊かなジュエリーを生み出している。色を大切にする城端蒔絵との親和性を感じるところです。

城端蒔絵は一子相伝の藝術で、僕は2019年に16代目を襲名しました。作品のデザインから髹漆、蒔絵までを、すべて行います。制作に使う道具も自分で作ることもあります。ひとつの作品が完成するまでに約50の工程があり、制作期間は10か月以上。赤ちゃんが産まれるまでの期間を十月十日といいますが、自分の工房を、お母さんの胎内のように感じることがあるんです。今はなんでもすぐに手に入る時代ですが、人間の命は、それだけ長い時間をかけて育まれるもの。自分の作品も、同じくらいの時間を経て生まれてくると考えると、不思議な感覚にとらわれますね。『アルハンブラ』もまた、素材のカットや研磨など、卓越した職人により、多くの工程がなされて完成されるジュエリー。それを知ると、身につける人も、さらに愛おしさが増すのではないでしょうか。

創作活動の転機は、蛇をテーマに作品をつくった2013年でした。それまで花や蝶、山といった、周囲の風景をモチーフにしていたのですが、その年に初めて「脱皮する蛇の姿」を描いたんです。当時、周りは厳しい評価だったのですが、僕は初めて、自分の目に見えた感動ではなく、心の中にあるものが表現できたと思えた。僕が暮らす城端という町は、自然が豊かで、寝室の窓から見える景色が日々変わるような、恵まれたところなのですが、それを作品にそのまま描くのではなく、僕が毎日それを見て、生きていくなかで感じたものを表せたと思ったんです。ニーチェの言葉に「脱皮できない蛇は滅びる」という名言があるのですが、まさにそれだと。僕はリアルな蛇を描きたかったわけではなく、脱皮という現象を表現したかった。思えばいつの時代の治五右衛門も、常に新しい表現を求め、脱皮しようと挑戦していたのではないかと。最近では作品を通して、技術だけではない、そういった心の部分を伝えることも大事だと考えています。『アルハンブラ』も歴史のあるコレクションと聞きますが、今も新しさを感じるデザイン。時代を超えて、いつもそばにいる存在に人は惹かれるもの。多くの人に『アルハンブラ』が愛されているのも、そういったところがあるからではないでしょうか。

Special Interview 江戸切子職人・三澤世奈さんが語る

「味や遊び心は、精度が高いからこそ
美しく映えるのだと思います」

江戸切子は、ガラスを手作業で削り、磨きをかけて美しい文様を描く、国の伝統的工芸品です。その技を継承する「堀口切子」に私は在籍していて、ブランドの中の１ラインナップとして、自分の名前を冠した「SENA MISAWA」を立ち上げました。江戸切子をもっと親しみやすいものにしたくて、王道とは少し違う、新しい色やマットな質感、ミニマルなデザインを提案しています。「堀口切子」は、伝統を守りながらも、現代的な感覚を取り入れることを大切にしている工房。『ペルレ』も遊び心をもたせたコレクションとのことで、新しい発想を取り入れるブランドの精神は、共通する部分があるかもしれません。

私がいつも大切にしているのは、いくら新しさがあっても、これまでの江戸切子の文脈がわからなかったり、斬新すぎるものにならないことです。「SENA MISAWA」は、江戸切子の一部であり、「堀口切子」の一部であることが大前提。なので、江戸切子にあしらわれる菊花文や籠目文といった代表文様を、シンプルにモダンにアレンジするというように、私が江戸切子の歴史から学んだことを生かしながら、表現しています。

江戸切子の文様は、カットする道具の性質上、幾何学模様が比較的作業効率がよく、汎用性も高いのですが、その条件を満たす新しいパターンを考えるのは、とても難しいんです。でも文様をつくること自体が、先人の功績のひとつでもあるので、私も何か自由で新しいものを提案したい思いが。『ペルレ』のゴールドの粒が整然と並ぶ姿と同じように、江戸切子の精度を残しつつ、有機的な感じが出せたらいいですね。

色については、最初は個人的な趣味として追求していました。江戸切子職人は、ガラスの素材自体をつくることはあまりないのですが、私は吹きガラスが趣味で。そのなかで、瑠璃や赤といった伝統的な江戸切子の色とは違う、かわいい色調が存在することを知ったんです。質感は、偶発的に生まれたところも。江戸切子の制作工程はジュエリーと似たところがあり、そのひとつが「磨き」ですが、その「磨き」の工程を経たときに、こういったマットな質感が生まれました。ムラも自然な色ガラスの付き方によるものなので、私のほうでコントロールはできないのですが、同じ色でもまったく雰囲気が異なるところに面白味があって、かえって心地いいなと感じています。

『ペルレ』も、ゴールドの小さな粒を、一つひとつ手作業で研磨して、生み出しているとか。粒が連なる様は、ものすごくきれいですし、ミリ単位以下の緻密さを想像すると、同じ「磨き」という作業を行う江戸切子職人の視点からしても、すごいなと驚きます。遊び心のあるデザインも、とても精度の高い技術があるからこそ、成り立っているのではないでしょうか。これは自分の価値観かもしれませんが、いわゆる味や遊び心という表現も、精度が高いからこそ美しいのだと、どこか思うんです。江戸切子もですが、ジュエリーにも同じように存在する世界なのかなと、『ペルレ』を見ると感じますね。

Special Interview植栽家・村瀬貴昭さんが語る

「幼少期から触れてきた、
自然の偉大さと宇宙への憧れが創作の源です」

僕が創作している『スペースコロニー』は、ガラスの球体のテラリウム。植物だけでなく、ときには鉱石を配したりと、独自のアレンジを加えています。扱う植物は特別なものではなくて、例えばホームセンターで寂しく残っているものや、知り合いのご家族が持て余してしまった盆栽などを譲り受けたりも。プロの手でガチガチに管理されたものよりも、何かしらの理由で、植物自体の生命力によって、形になったものに惹かれるんです。自然というものは、人間の力を超えて再生されていくものだと、改めて感じる。『スペースコロニー』も、でき上がったところが完成ではありません。上からLEDライトが当たり、植物が成長していくので、これからどうなっていくのか想像したくなる、「その先がある作品」とでもいうのでしょうか。自然の偉大さはもちろん、限られた空間の中で、それをどれだけ大きな存在として見立てるか、広大な存在として捉えられるかという想像力が、要は宇宙的な概念なのかなと。『ゾディアック』を見て、まさにジュエリーも、同じような思考で生まれるものなのかなと思いましたね。

僕は1980年生まれなのですが、個人的に「フューチャー世代」だと思っていて。幼いときはロボットのプラモデルで遊んでいたし、ゲームだって、それまで喫茶店でしかできなかったインベーダーゲームが、一般家庭の中に入ってきた。車のデザインも未来的なものが増えていて、宇宙や未来といったものに対する想像力が、すごく高められた時代だったんです。自分の作品を『スペースコロニー（宇宙植民地）』と名付けたのも、その影響のひとつ。1969年から提唱されている、宇宙空間に人類の移住地をつくるプロジェクトを指すのですが、地球外に自然環境を整え、いかに人類を生かすかという発想に、インスピレーションを受けました。それに加えて、子供の頃に祖父の盆栽に触れてきたことにはじまり、アクアリウムや変わった植物に夢中だったことが、今になってすべてがつながり、作品となったのは、とても幸運だと思います。

現在、京都で暮らしているのですが、出身は大阪。ここにいて気づいたのは、人間と自然の距離の近さと、空間における間の取り方の素晴らしさです。街を歩いていて、当たり前のように山や川が目に入るけれど、道だってきれいに舗装されている。これだけ美しい街は、世界でもここだけではないでしょうか。京都の人の、自然に対するリスペクトがあるから成立しているんだろうなと、外から来たからこそ見えるものがあるんです。間の取り方については、神社仏閣や庭を訪れたときに感じる「やりすぎない美学」。空間を埋め尽くさない、やりすぎず、やらなさすぎずの最も美しいバランスを、常に計算してきたんだろうなという思いがして、それが自分の作品づくりにも、大きく影響していますね。実は『ゾディアック』をはじめ、「ヴァン クリーフ＆アーペル」のジュエリーでも、同じような感覚にとらわれました。芸術作品とも呼べるほどに精巧でありつつも、装飾品としての佇まいが、きちんと保たれているなと。高い技術をもって、とても緻密につくられたものなのに、身につける人の負担にもなりすぎない。美しいジュエリーでありながら、身につける人も輝かせる、そのどちらをも両立させるバランスに、大きく刺激を受けるんです。